El pelazo

No conocía este Aria, ni esta Ópera hasta la semana pasada.

Toqué en una de esas galas líricas que acaban en bronca: el público de la lírica es exigente y en el último momento la soprano enfermó, así que aquello se convirtió en una buena bronca, muy futbolera o taurina, o del tipo en el que la gente que asiste a un espectáculo tiene la intención de apasionarse, de entusiasmarse a fondo. No me parece mal que la gente rompa los estrictos protocolos que se les imponen por el hecho de asistir a un concierto, pero, como intérprete, preferiría que estallaran de júbilo y no de decepción; ¡qué le vamos a hacer!

No voy a hacer ningún comentario a priori sobre la música que aquí os dejo hoy. Me gustaría, por una vez y como experimento, que fuerais vosotros, los visitantes del blog, quienes opinaran, y también los que comparasen y eligieran la versión que más os guste.

De Sansón y Dalila, de Camille Saint-Saens, "Mon coeur s´ouvre a ta voix". Quizá, como Orfeo fue la primera leyenda sobre el poder de la Música, esta sea la primera historia que habla sobre el poder de una buena melena, de tener un buen pelazo, o de la impotencia de los calvos, a cuyas filas me uniré a poco tardar. ¿Quién cree a estas alturas en las leyendas del Antiguo Testamento?


DALILA
Mon cœur s'ouvre à ta voix
comme s'ouvre les fleurs
Aux baisers de l'aurore!
Mais, ô mon bien-aimé,
pour mieux sécher mes pleurs,
Que ta voix parle encore!
Dis-moi qu'à Dalila
tu reviens pour jamais!
Redis à ma tendresse
Les serments d'autrefois,
ces serments que j'aimais!
Ah! réponds à ma tendresse!
Verse-moi, verse-moi l'ivresse!

SAMSON
Dalila! Dalila! Je t'aime!

DALILA
Ainsi qu'on voit des blés
les épis onduler
Sous la brise légère,
Ainsi frémit mon cœur,
prêt à se consoler
À ta voix qui m'est chère!
La flèche est moins rapide
à porter le trépas,
Que ne l'est ton amante
à voler dans tes bras!
Ah! réponds à ma tendresse!
Verse-moi l'ivresse!

SAMSON
Par mes baisers
je veux sécher tes larmes
Et de ton cœur éloigner les alarmes.
Dalila! Dalila! Je t'aime!

Ilustración, Sturm und Drang y otras Disonancias

"Ver tratado lo difícil con facilidad nos da la impresión de lo imposible", escribió Johann Wolfgang von Goethe en Las afinidades electivas. Y en la obra que pongo hoy en la palestra esta frase se convierte en axioma: El Cuarteto de Cuerda en Do Mayor KV 465 de Wolfgang Amadeus Mozart, también llamado Cuarteto de las Disonancias.

La Historia da la paternidad del Cuarteto de Cuerda a Haydn, que fue maestro de Mozart. Una formación de cámara de lo más uniforme. Haydn muestra su maestría y experimentación con sus Cuartetos op. 20, a la que poco después Mozart contesta con sus Seis Cuartetos como regalo a su maestro. Haydn digiere con calma el regalo y tras unos años escribe sus Cuartetos op. 33. Mozart, trastornado por la respuesta de Haydn, le dedica "al caro amico" otra serie de Seis Cuartetos entre los que está este Cuarteto de las Disonancias, que juega en sus primeros compases con una ambigüedad tonal desconocida hasta ese momento. Haydn, de nuevo, se toma su tiempo para asimilar las novedades y osadías de su joven amigo y compone la serie de Cuartetos "Tost". En poco tiempo Mozart responde al intercambio con sus Cuartetos Prusianos.

Entre los dos compusieron alrededor de 80 cuartetos de cuerda. Da la sensación de que les estimulaban a cada uno los avances del otro, que donde uno terminaba de desarrollar sus osadías aparecía el otro con nuevas ideas que daban otra vuelta de tuerca. En sus Cuartetos (los de ambos) asentaron las bases de una de las formaciones de cámara más homogéneas y completas y abarcaron por completo el mundo tonal. Después llegó Beethoven e hizo la Revolución, pero de eso me ocuparé otro día.

La época de la Ilustración estableció, entre otras cosas, un nuevo orden social que se basa en el ascenso de las clases medias, debido a su cada vez mayor poder económico, a estamentos y funciones sociales que antes estaban reservadas a la nobleza y las clases más altas. Haydn y Mozart representan con sus condiciones laborales este cambio social: mientras el viejo (1732-1809) Haydn trabajó toda su vida como sirviente de una única familia noble, el joven (1756-1791) Mozart no asumió ese sistema de patrocinio aristocrático sino que vendía sus óperas, por ejemplo, directamente a los teatros: la burguesía ya empezaba a tener acceso al arte. Esta situación laboral de Mozart no le libró del hambre en ocasiones, forjando así la imagen de genio hambriento, que da sablazos a sus amigos, enterrado en una fosa sin nombre, que tenemos gracias a, entre otros, Milos Forman.

Pero la época de la Ilustración no fue homogénea en toda Europa, y frente al Racionalismo francés, apareció la "sentimentalidad" germánica. En Música se llamó en principio Empfindsamkeit, y planteaba la posibilidad de cambiar de una emoción a otra dentro de la misma pieza musical, en contraposición a la estética barroca de los Affekt (afectos), que concebía la emoción en la música, pero la misma a lo largo de toda la pieza.

Pronto el Empfindsamkeit fue parte de una corriente estética mucho más amplia que abarcó a todas las artes germánicas: el Sturm und Drang (Tempestad y Empuje). Movimiento intelectual y literario que toma el nombre de una obra teatral de F.W. von Klinger, representa , frente al racionalismo francés, la emoción, la experiencia individual y la imaginación creativa.

Este era el entorno en el que Mozart escribió este Cuarteto de las Disonancias. Este sobrenombre se debe a su Adagio inicial: oscuro, confuso, como si los instrumentos no se pusieran de acuerdo; hasta que inevitablemente aparece la luz y nos hace caminar hacia ella, frescos, purificados. Sólo es un minuto de confusión y tras él aparece una forma clara, su forma sonata, sus cuatro movimientos, su absoluto dominio de la situación. ¡Fantástico! Como cuando al despertar de una pesadilla todavía no nos creemos que las tinieblas hayan desaparecido, pero en cuanto nos desperezamos del todo ya no podemos recordar qué nos atormentaba durante el sueño.

Os dejo la versión del Cuarteto Melos, esperando que la disfrutéis.

http://www.megaupload.com/?d=2EMHDHAU

Ella & Louis

Míentras escribía la entrada anterior estaba escuchando el Porgy & Bess de estos dos monstruos, y me he calentado buscando en youtube. Aquí os dejo otra joya.

Porgy & Bess - George Gershwin

Tiempo atrás fue una escuela, y el nombre del profesor que allí enseñaba a los niños le dio nombre a este lugar cuando se convirtió en un bar. Un retrato del viejo profesor nos observaba, severo, colgado en lo alto de una pared. Pasé mucho tiempo en este bar. Tanto que, medio en broma medio en serio, puse que este era mi domicilio en el formulario de inscripción de la biblioteca local; lo cierto es que en algún tiempo era más fácil encontrarme aquí que en cualquier otro sitio y, junto a facturas, albaranes, cartas del banco o del seguro y demás correo propio de un bar, aparecían cartas de la biblioteca a nombre de un señor que era yo.

A veces los bares y las escuelas comparten una función pedagógica. Fue en este lugar donde aprendí a jugar al billar, al ajedrez, a las cartas, y también a charlar sobre nada en particular durante horas y horas. Horas y horas con amigos fugaces o eternos. Paredes de piedra, techo diagonal, microclima húmedo, música en directo, dibujos, teatro; se echa de menos.

Esta taberna, cuya clientela habitual conformaba un genial carnaval permanente, también abrió mis orejas a otros tipos de música en las que nunca había puesto mi atención. El dueño del bar es un gran aficionado al jazz y poco a poco me fue metiendo el veneno en un quid pro quo en el que yo le envenenaba con Beethoven. Escuchamos con un grado de atención variable entre ruido y charla tantas veces la Sexta de Beethoven o la Obertura de Egmont como Ascenseur Pour L'Échafaud de Miles Davis o a Oscar Peterson o al Dave Brubeck Quartet.

Pero por encima de todo estaba esta música que os dejo hoy aquí.

George Gershwin compuso esta ópera "negra" a principio de los años 30 del pasado siglo. Se basaba en la novela Porgy de DuBose Heyward, y en la pieza teatral del mismo nombre. Los textos de la obra final son de Ira Gershwin (hermano de George) y de Heyward, autor de la novela y de la obra teatral junto a su esposa Dorothy. Es una especie de ópera folclórica del sur de los Estados Unidos y, tanto en los textos como en la música, utiliza referencias idiomáticas de la cultura negra de los Estados Unidos. En su estreno en Nueva York en 1935 todo el reparto estaba formado por cantantes negros.

La historia se desarrolla en Charleston, Carolina del Sur y narra la historia de Porgy, un inválido que trata de rescatar a Bess de su proxeneta Crown y de un traficante de drogas: Sportin´Life.

Si no la conocéis, escuchadla, es mucho más que el archiconocido Summertime.

La versión con Ella Fitzgerald y Lois Armstrong es un clásico y una referencia, pero no sólo son sus voces y la trompeta de Louis, la orquestación es genial, te lleva, está llena de energía y dulzura: es una maravilla.

http://www.megaupload.com/?d=OG2EMR6Y

El día que cerró el bar del que os hablaba al principio, el dueño, que ya a estas alturas era amigo, me llevó aparte y me regaló la copia de este disco que tantas veces habíamos escuchado juntos. Toni, por si lees esto, debes saber que lo guardo aún hoy y que lo sigo disfrutando todavía. Gracias, desde el palomar.

Demasiados sospechosos

En la corte de los Kennedy coexisten eunucos dálmatas -acojonados en las arenas de Long Island-, caleseros de Nanterre, cocineros suizos, (excelentes), un embajador soviético, pom pom girls de California, viudas de cinco guerras mundiales, dos objetores de conciencia australianos, un campeón mundial de ping-pong que ha traído su mesa predilecta, tres camiseros maricas que duermen en habitaciones separadas, un gaucho disecado por Ted (precoz taxidermista desde que Rose le regaló un equipo completo el día de su primera comunión), un pelotari vasco cejijunto, media docena de cantantes suaves como un batido de vainilla, dos viejos marinos enamorados de dos gordísimas sirenas de Siracusa, diez defensores de derechos civiles con sus correspondientes defendidos, un sheriff malo, dos sheriffs buenos, un batería de jazz tuberculoso que se masturba en los retretes del todo Boston, un agricultor abisal especializado en injertos de alga Rosalind, un capador de polillas, un poeta concreto que cruje al andar, una virgen samoyeda que se perdió en el polo norte, una doctora española especializada en zonas erógenas, dos cantantes de jazz con cáncer de garganta, un defensa central del Manchester United y un interior izquierda del Manchester City, un filósofa alemán especializado en sí mismo (su mujer le precede por los pasillos pidiendo silencio a los que se les cruzan), dos presidentes de juntas de vecinos de Ankara, un primo hermano de Hitler, que se le parece mucho en el andar y en la especial entonación de la palabra espátula, un meteorólogo, un domador de gallinas, un dentista florentino, príncipes enanos abandonados en los cubos de basura, un campeón de partidas simultáneas de ajedrez, el traductor de Oscar Wilde al ucraniano y la verdadera princesa Anastasia, definitiva baza legal que Occidente se reserva para reclamar el trono de la URSS, un segundo antes de la agresión nuclear.

Yo maté a Kennedy-Manuel Vazquez Montalbán

Caminando por el museo

Durante 10 días de Junio de 1874 Modest Mussorsky compuso esta obra programática: Cuadros de una exposición. Uno de los mejores amigos del autor fue el arquitecto y pintor aficionado Victor Hartmann. La muerte de éste en 1873 a la edad de 39 años sumió al inconstante e inestable Mussorgsky en una gran desolación. Al año siguiente de su muerte se organizó una exposición en honor a Hartmann en la que se mostraba una amplia muestra de su obra pictórica. Y esta es la exposición cuyos cuadros observamos en esta fantástica música.

Originalmente fue una obra para piano en la que se describen 10 cuadros de esa póstuma exposición de Hartmann, así como una especie de idea fija musical, que es el Paseo (Promenade) que abre la obra y aparece entre las descripciones musicales de los cuadros, pero nunca es igual que al principio, como si el cuadro que acabáramos de observar hubiera modificado nuestra percepción y hasta el hecho de caminar de un lugar a otro de la sala de exposiciones se hubiera transformado en algo más que una experiencia física. No todos los cuadros que "pinta" Mussorgsky en esta obra estaban en la exposición real: muchos pertenecían a su colección particular, otros estaban sacados de ilustraciones o dibujos e incluso el último, la Gran Puerta de Kiev, era un boceto arquitectónico.

La obra original para piano apenas se toca, al menos yo nunca la he escuchado, mientras que la obra ha pasado más a la Historia en la versión orquestal de Maurice Ravel. También pasa esto con la orquestación de Rimsky-Korsakov de Una Noche (de San Juan) en el Monte Pelado. Mussorgsky fue un compositor muy inconstante, terminó muy pocos de los trabajos comenzados y aparte de las dos obras citadas, sólo resta en el repertorio habitual sus óperas Boris Godunov y Kovanchina.


Pasó a la Historia Mussorgsky también por su desordenada vida, digna de una novela de Dovstoievsky y por el abuso descontrolado del alcohol. También perteneció al llamado Grupo de los Cinco de San Petersburgo, junto con Mili Balakirev, Cesar Ciu, Alexander Borodin y Nikolai Rimski-Korsakov. Juntos impulsaron el nacionalismo romántico ruso. A mí eso de los Cinco siempre me sonó a los Dalton.

Os dejo la versión de los Cuadros de Karel Ancerl dirigiendo la Orquesta Filarmónica Checa.

http://www.megaupload.com/?d=1YZBDYQX

Eleanora Fagan

Ese es el el nombre que se le puso a esta maravillosa estrella de la música del siglo XX cuando nació en Baltimore en 1915. Eso sí, la autobiografía "Lady sings the blues", la firmó con un nombre que ya es historia: Billie Holliday.

Beethoven, Sinfonía nº 3 "Heroica"

Una de las obras más famosas de Beethoven, y la primera Gran Sinfonía del compositor. Para muchos es el momento de ruptura del estilo clásico y la ventana abierta tanto a la estética como a la forma de la música romántica.

En principio el subtítulo de esta obra era "Bonaparte", en honor al que hasta ese momento (1802-1804) era considerado por el compositor y por todos los admiradores de los ideales de la Revolución Francesa, el liberador de Europa; el personaje que modernizaría las estructuras políticas y sociales de la vieja Europa, que convertiría la tiranía en el gobierno del pueblo, o de los ciudadanos, o de los hombres, o de los individuos, o de la ciudadanía, o como se denominara en ese momento el grupo social al que pertenecemos casi todos: los humanos sin decisión.

Cuando Beethoven tuvo noticia de que Napoleón se había hecho coronar Emperador en 1804, se dice que se enfadó tanto que, lleno de rabiosa decepción, tachó con tanta fuerza el nombre del ya emperador de la portada de su partitura que incluso rasgó el papel:

«¡Ahora sólo... va a obedecer a su ambición, elevarse más alto que los demás, convertirse en un tirano!», se dice que dijo Beethoven.

Cuando la obra fue publicada en 1806, Beethoven le dio el título de "Sinfonía heroica, compuesta para festejar el recuerdo de un gran hombre". Quizá la memoria de este gran hombre fuera el recuerdo de lo que representaba Napoleón para Beethoven, recuerdo que mantenía su dignidad, aunque su protagonista la hubiera perdido.

Se dice también que el segundo movimiento de la composición original era una Marcha Triunfal (que quizá se convirtiera en el último movimiento de la quinta sinfonía) pero fue sustituida por la impresionante Marcha Fúnebre. La decepción del compositor hizo que su obra se modificara, y en vez de celebrar la liberación y la hermandad del Hombre, decidió hacerle un funeral a la posibilidad de que esos ideales se materializaran. Esta obra también forjó la imagen de Beethoven de defensor de los derechos individuales.

Aparte del contexto, es decir, si escucháramos esta obra sin conocer las condiciones de su génesis, la obra es absolutamente impresionante, la primera quizá de la Historia de dimensiones enormes, casi una hora con las repeticiones originales, aventurera, con sonata, variaciones, lirismo, contrapunto. Disfrutadla, ciudadanos.

Os dejo una grabación histórica de Otto Klemperer dirigiendo la Philarmonia Orchestra en 1955.

http://www.megaupload.com/?d=2F55TU7P

Madrid o el Sistema Británico

A mí me ocurre, no sé si es general, que cada vez que vuelvo a Madrid a trabajar (lo hago en largos períodos desde hace dos años) me vuelvo a sentir como algún personaje de Paco Martínez Soria, con su gallina atada con un cordel, su maleta de cartón, su boina calada y su desconcierto en la Puerta del Sol. Cada vez la sensación dura menos días, pero la sigo sintiendo.

Evidentemente no soy de Madrid y, como mucha gente de mi región, trabajo allí durante gran parte del año. ¡Cómo se siente la distancia! ¡La nostalgia nace y muere durante los viajes! Y de la distancia, de la longitud quisiera hablar hoy.

En primer lugar la distancia es la que te separa de tu casa, en mi caso se traduce en horas de viaje, atravesar una de las dos Castillas y un poco más. Durante el trayecto ya estás en Madrid, porque las partículas que te acompañan por las arterias que son las autopistas ya son Madrid, saben a dónde van y así se comportan, como si su vida y la de sus familiares más cercanos dependieran de adelantar al siguiente coche en 20 segundos, o que entrar o no entrar antes que tú en la siguiente incorporación fuera la última oportunidad de alcanzar la felicidad eterna. Te sientes pequeño.

Después llegas, y la distancia ya no se mide como lo aprendiste. La distancia entre dos puntos se transforma en tiempo y desgaste nervioso. Te sientes pequeño. El mismo trayecto puede durar 5 minutos ó 1 hora y media en cualquier medio de transporte y como peatón la distancia se mide en estaciones de metro.

Poco a poco te acostumbras, aprendes y repites los ritos, te mimetizas con el ritmo de la ciudad y, cuando vuelves a casa, necesitas una aclimatación para poder "ser" la persona que echas de menos "ser". Esta es la base del desarraigo que, sin duda, te hace sentir pequeño.

Pero esta última semana he descubierto un esotérico secreto a voces que yo desconocía: en Madrid no se utiliza el Sistema Métrico Decimal para todo. Ya sé que quizá sois incrédulos con este tema, pero me podéis creer. Yo vivo de alquiler y esta semana ha sido la primera vez que me he tenido que enfrentar a la búsqueda de vivienda, y en este sector (el alquiler de pisos) se usa el Sistema Británico: no puede ser de otra manera. El problema es que los editores de texto en España no tienen los símbolos británicos para expresar estas medidas, así que, por redondeo (concepto ladrón) se adaptan a las medidas internacionales.

Lo que consideramos un metro cuadrado no lo es, es una yarda cuadrada, con lo que un estudio coqueto en un ático de 40 metros cuadrados equivale a -un agujero inmundo de- 30 metros cuadrados reales, ya que los primeros eran yardas. 1 metro tiene 3 y pico pies y cada pie se divide en doce pulgadas. Hay que aprender y manejar estos valores para interpretar los tamaños de las viviendas de alquiler, si no podrías caer en el error de creer que 35 metros cuadrados son 35 metros cuadrados, cosa muy alejada de la realidad y que da mucha risa por la Villa y Corte.

Y esto no puede ser de otra manera, porque la alternativa sería que un negocio tan extendido y rentable es una mentira continua.

Lo malo de este Sistema Británico es que sólo funciona en Madrid, en cuanto sales de la ciudad se acabó, y es malo porque es mucho mejor estar a 298 (millas-kilómetros) que a 480 (kilómetros-millas) de casa. Te sientes muy pequeño.

Hay días en que uno no se siente así

Por eso, porque hay días que uno no se siente así, cuelgo esto aquí. Para acordarme en esos otros días, los mustios, los nublados, los oscuros; de que en la vida existen estos otros, en los que uno se impone como el protagonista de la película de su propia vida. ¡No me pares!

Tonight I'm gonna have myself a real good time

I feel alive and the world turning inside out Yeah!

And floating around in ecstasy

So don't stop me now don't stop me

'Cause I'm having a good time having a good time

I'm a shooting star leaping through the sky

Like a tiger defying the laws of gravity

I'm a racing car passing by like Lady Godiva

I'm gonna go go go

There's no stopping me

I'm burning through the sky Yeah!

Two hundred degrees

That's why they call me Mister Fahrenheit

I'm trav'ling at the speed of light

I wanna make a supersonic man out of you

Don't stop me now I'm having such a good time

I'm having a ball don't stop me now

If you wanna have a good time just give me a call

Don't stop me now ('cause I'm havin' a good time)

Don't stop me now (yes I'm havin' a good time)

I don't want to stop at all

I'm a rocket ship on my way to Mars

On a collision course

I am a satellite I'm out of control

I am a sex machine ready to reload

Like an atom bomb about to

Oh oh oh oh oh explode

I'm burning through the sky Yeah!

Two hundred degrees

That's why they call me Mister Fahrenheit

I'm trav'ling at the speed of light

I wanna make a supersonic woman of you

Don't stop me don't stop me

Don't stop me hey hey hey!

Don't stop me don't stop me ooh ooh ooh (I like it)

Don't stop me don't stop me

Have a good time good time

Don't stop me don't stop me Ah

I'm burning through the sky Yeah!

Two hundred degrees

That's why they call me Mister Fahrenheit

I'm trav'ling at the speed of light

I wanna make a supersonic man out of you

Don't stop me now I'm having such a good time

I'm having a ball don't stop me now

If you wanna have a good time just give me a call

Don't stop me now ('cause I'm havin' a good time)

Don't stop me now (yes I'm havin' a good time)

I don't want to stop at all.

La Batalla de Biber

En la historia han existido compositores cuya música se amolda al consenso tácito sobre las normas del gusto artístico de la época y otros compositores que, lejos de conformarse con lo establecido, buscan maneras de romper moldes y ofrecer nuevas experiencias. A este segundo grupo pertenece sin duda el compositor bohemio Heinrich Ignaz Biber (1644-1704), cuya actitud vanguardista sigue sorprendiendo al público de hoy en día, trescientos años después de su muerte. Entre sus composiciones más famosas están sus 'Sonatas del Rosario' para violín y continuo, que hacen un uso extensivo de la scordatura, un inusual recurso técnico en el que las cuerdas del violín se afinan de manera diferente a la habitual.

La Sonata Battalia para 10 instrumentos, compuesta en 1673, es otro catálogo de extravagancias sonoras que Biber utiliza magistralmente para reforzar los elementos descriptivos y emocionales de la música y no simplemente por su mero valor novedoso. La sonata combina en sus diferentes movimientos danzas alegres y música de taberna; movimientos descriptivos como una marcha militar o una interesante representación de la batalla; y otras reflexiones mas líricas como el 'Aria' o el 'Lamento por los soldados caídos' que cierra la obra. Al inusual empleo en el primer movimiento de col legno, en que las cuerdas percuten con la madera del arco en vez de las cerdas, se une el uso de un papel entre las cuerdas del contrabajo para imitar el sonido de un tambor militar en la marcha, y el ruido de las cuerdas violentamente pinzadas en la batalla. Pero sin duda el ejemplo más impresionante se encuentra en el segundo movimiento, en que cada uno de los instrumentos toca una danza popular diferente, y en tonalidades diferentes, para representar la borrachera de los soldados antes de partir al campo de batalla.

Texto tomado del programa de mano del concierto de Semana Santa de la Orquesta de los Adioses, celebrado el 13 de Abril de 2009 en Piedras Blancas, Castrillón, Asturias.

Anonimato

Transmitir información sobre algo, es, además, la única manera de no tener que transmitirla sobre uno mismo, y así, cuanto más misantrópico, independiente, solitario o misterioso sea un oxoniense, más información sobre los otros se supondrá que suministra a esos mismos otros para hacerse perdonar su reserva y ganarse el derecho a silenciar su intimidad. Cuanto más sepa y cuente uno sobre los demás, mayor dispensa tendrá para no contar nada acerca de sí mismo.

Javier Marías-Todas las almas

Juan Crisóstomo Arriaga

Juan Crisóstomo Jacobo Antonio de Arriaga y Balzola, nada menos, nació en Bilbao en 1806 y murió en París en 1826.

Su padre era organista y con él aprendió música durante sus primeros años. A los 15 se traslada a París para estudiar violín, armonía y contrapunto y sólo dos años después de ser alumno se convierte en profesor de esas mismas disciplinas. Compuso música religiosa, instrumental, coral y una ópera: Los esclavos felices, perdida excepto su obertura; pero durante su corta vida sólo vio publicados sus Tres Cuartetos para Cuerda.

Murió a los 20 años en París, enfermo de tuberculosis, enfermedad muy de pobres y muy de artistas, véase La Boheme, de Puccini, o léase, así en general, cualquier novela rusa, francesa o española del siglo XIX.

Tras su muerte su música cayó rápidamente en el olvido y sólo reapareció hacia finales del siglo XIX, dentro del movimiento nacionalista musical vasco, convirtiéndose en poco tiempo en un mito, no sólo por su música sino también por su inmenso potencial. Se le llamó entonces y se le sigue conociendo ahora como el Mozart Español o el Mozart Vasco, por algunos paralelismos en su precocidad y en algunos datos personales: nacieron el mismo día del año con 50 años de diferencia, se llamaban igual, etc.... En su ciudad natal, Bilbao, se construyó un monumento en su honor, así como un Teatro que aún hoy lleva su nombre.

Con motivo del 200 aniversario del nacimiento de Arriaga, la Fundación Vizcaína Aguirre editó toda su obra y en su página http://www.arriagaobrascompletas.com/ se puede descargar tanto las partituras como los materiales. ¡Ánimo músicos, es una música genial!

Os dejo en audio la versión de sus cuartetos de cuerda, sus obras más interpretadas, por el Cuarteto Mosaiques, siempre tan original en sus interpretaciones.

http://www.megaupload.com/?d=EWY0O5CW

Le dedico esta entrada a mis amigos de Bilbao, Sara y David. Se os extraña, aunque ya estéis en este hemisferio.

Il pianto di Maria, G.F. Haendel

La verdad es que no tengo palabras.

Egmont

Hoy he escuchado por primera vez esta obra completa. Normalmente cualquiera que ame la música de Beethoven, incluyéndome a mí, por supuesto, conoce la famosa obertura Egmont pero nunca hasta hoy me había parado a escuchar el pedazo de obra a la que preludia.

Después de la famosa obertura, llena de drama e intensidad, continúa una verdadera obra incidental llena de emoción y desesperación. Hasta que no la he escuchado completa no me he dado cuenta de lo genial que es la obertura, y de que sólo es el primer plato de un menú completo tras el que es imposible no quedar saciado.

La historia se las trae, y Beethoven la tomó del drama homónimo de Johann Wolfang von Goethe, al que admiraba desde niño. Una historia llena de exaltación del sacrificio de un hombre, sobre el valor de todo lo que pierde a causa de su lucha contra la tiranía, valores muy establecidos en la época de las revoluciones burguesas y del incipiente romanticismo.


Vámonos al siglo XVI para encontrar al Conde de Egmont. España era el gran Imperio y entre sus posesiones territoriales se encontraba Flandes. Egmont era un noble de una de las más ricas familias de Flandes, caballero del imperio y primo del rey de España, Felipe II. Se formó militarmente en España y heredó tierras en la provincia de Holanda.

Cuando Felipe II implantó la Inquisición en Flandes, zona fronteriza entre católicos y protestantes, Egmont, junto con Guillermo de Orange y el Duque de Horn protestaron enérgicamente ante el rey. Egmont viajó a Madrid con la intención de hacer cambiar de opinión a su primo, el rey, respecto a la política religiosa en los Países Bajos, pero se encontró con demoras en la decisión y al final con la rotunda negativa de Felipe II.
Egmont volvió a Flandes con sus malas noticias casi al tiempo que se creaba allí el más tarde llamado "Tribunal de la sangre", creado y tutelado por el Duque de Alba, con el fin de aplastar la reciente herejía protestante. Tras unos disturbios iconoclastas en Amberes, que Egmont deploró como católico, éste y el Duque de Horn son llamados por el Duque de Alba para recibir las instrucciones del rey. Ambos son arrestados y condenados a muerte, aún habiendo manifestado su lealtad al rey en todo momento.

Fueron decapitados en la Plaza Mayor de Bruselas el 5 de Junio de 1568.

Así lo escribió Goethe y así lo pintó Beethoven y aquí os lo dejo para que lo disfrutéis, de arriba abajo. Es la Staatskapelle de Berlín, con Heinz Bongartz como director, Elisabeth Breul, soprano y Horst Schulze como recitador. Muy Beethoven.

http://www.megaupload.com/?d=MJXEE4XW

Y también os dejo a un jovencísimo Celibidache dirigiendo la Obertura con la Filarmónica de Berlín.